Современное искусство Индии

Глаза и разум: Новаторские интервенции в современном индийском искусстве

«Вся история искусства – это история способов визуального восприятия, различных путей видения человеком мира. Неискушенный человек может возразить что существует единственный способ видеть мир – так, как он его непосредственно видит в данный момент времени. Но это не так – мы видим всего лишь то, что нас научили видеть, и это входит в привычку, превращается в условность, мы выбираем лишь кусочек из общей картины мира, а все остальное остается для наших глаз лишь искаженным наброском. Мы видим то, что хотим увидеть, но то, что мы хотим увидеть, - ограниченно, и не непреложные законы оптики тому виной, и даже не инстинкт самосохранения, а желание увидеть и построить для себя правдоподобный мир. То, что мы видим, должно казаться настоящим. В этом смысле искусство выступает творцом новой реальности».
– Герберт Рид

Иными словами, все вышесказанное сводится к фразе: «Чего мы не знаем, того мы не видим». Современное искусство слишком часто является предметом яростных споров, где с пеной у рта каждый отстаивает то, что он в нем видит (или не видит). Причина такого ажиотажа – все тот же страх неизвестного, непознанная, необъяснимая истина, которую раскрывают при помощи средств и способов, обывателю не всегда понятных. Подобные произведения, шокирующие, зачастую намеренно абсурдные и усложненные, включающие предметы, которые в традиционном смысле и рядом с искусством не стояли, вызывают тревогу у людей, которые никогда не были в музее, и тем более не приобретали картин, и таковых большинство. Другая, не дающая покоя нашему обществу сегодня проблема – это «причина», смысл.
При нынешней степени развития науки людям зачастую бывает трудно принять идею простого созерцания, чисто эмпирическое начало, присущее искусству.
Эту черту нашего времени очень точно подметил Пабло Пикассо, сказав однажды: «Людям непременно надо отыскать смысл во всех и во всем. Это болезнь нашего века, века, который так далек от практичности, но воображает, что превзошел в практичности всех остальных».

Искусство в Индии, как и во всем мире, подвергалось бесконечным изменениям, которые постепенно вылились в то, что мы имеем сегодня – уникальный сплав граней западного и азиатского мировосприятия. Что есть модернизм в искусстве? Это классический вопрос, которым задаются многие люди, и, не найдя верного ответа, так и не приобщаются к искусству.
Модернизм – это далеко не просто набор абстракций или абстрактных форм, произвольно набросанных на холсте и выкрашенных в красивенькие оттенки безо всякого смысла.
Модернизм в искусстве исходит от художника, который действует по собственному побуждению, по зову сердца, под влиянием своих страхов, личных или общественных проблем, которые волнуют его душу. Такие художники выбирают путь отщепенцев от искусства, отказавшись от уже существующих в нем норм и шаблонов, и, рождая жанры и подходы, доселе никем не опробованные, вопреки устоявшемуся мнению, лишь увеличивают привлекательность эпатажа и нестандартного в искусстве. Когда искусство обретало новое обличье и новое значение, избрав для себя новый путь, менялись люди и общество, этот процесс продолжается со времен зарождения искусства, и не прекратится, пока оно будет существовать.

Снова и снова мы убеждаемся, что искусство всегда было способом донести до нас, как до общества и части народа, к которому мы принадлежим, какое место нам отведено во вселенском порядке вещей, и определиться с тем, собственно, кто мы такие. Аспект эстетического удовольствия, присущий искусству, в данном случае вторичен, основная его роль – быть зеркалом, и рассказывать нам правду. Искусство всегда обладало преимуществом перед другими носителями и способами передачи массовой информации, что позволило ему выдержать испытание временем, недоверие и критицизм. На протяжении столетий искусство, так или иначе, представляло собой срез современной ему эпохи, фиксируя и отражая каждую историческую веху.
Искусство стало проводником в мир необычного, мифического, и было рассказчиком историй, которые хотелось услышать людям, без необходимости путаться в печатных дебрях.
Искусство было более ранним спутником человека, нежели письменность, более того, оно всегда было утешителем, говоря людям то, что им хотелось слышать, облекая бесформенные и невнятные впечатления в форму, одним махом разрушая языковой барьер. Оно дарит новые силы и возвращает к жизни, обладает уникальной способностью дарить чувство единения с природой и обществом. Нам жизненно необходимо ощущать единство и принадлежность к чему-то, и искусство играет роль этого объединяющего элемента, поэтому неудивительно, что люди приходят в замешательство, когда искусство вдруг принимает формы, нам непонятные и чуждые.
За последние годы идеология в искусстве изменялась довольно сильно и внезапно, зашифровывая идеи в сложном лабиринте нестандартных материалов – все это оттого, что само искусство вдруг задалось вопросом о своей сути. Новое искусство, вышедшее из этого горнила, где переплавились формы и структуры, для иных наблюдателей может оказаться серьезным испытанием, подвергая их испытанию вещами, не вполне доступными для понимания.

Начало 21 века стало началом новой истории Индии, где люди понимают многое и жаждут знать еще больше.
Со слов философа Деррида: «Не существует культуры или культурного сообщества, которому бы не было присуще это внутреннее противоречие».
В Индии искусство принимает совершенно особые формы, будучи уникальным сплавом западных эстетических веяний и внутреннего кросс-культурного взаимообмена. Сегодняшний мир искусства в Индии – это небо и земля по сравнению, скажем, с тем, что было лет 50 назад. В этой стране, с ее стремительным развитием экономики, новое сменяется новейшим со скоростью света, архетипы в мгновение ока исчезают, уступая место новым, - и все это происходит на фоне слияния современных тенденций с вековыми традициями.

Культурное многообразие страны - неотъемлемая часть сложной и многогранной системы, где смешались различные религиозные верования, языки, и все еще доминирующая культура деревни, объединенная со стремительно растущей городской культурой. Многообразие страны, как и ее искусство- это сам по себе уникальный опыт, недоступный пониманию стороннего наблюдателя. Такова природа и главная особенность новой Индии и ее искусства.

По мнению Судхира Патвардхана: «Чтобы все эти фрагменты [художественные средства] соединить в произведение искусства, художнику требуется выстроить структуру еще более открытую. Ей должны быть присущи динамичность, широта, и острота творческой мысли, чтобы все эти фрагменты, отражающие подлинный смысл, оставались вместе, не теряя каждый собственной реальности...» - однако открытость далеко не значит слабость и расплывчатость.

Изобразительные средства 21- го века доведены до предела возможностей, и художники с их помощью достигают новых потрясающих творческих результатов, которых доселе никто не мог даже представить. В искусстве более невозможно строгое разделение на живопись, скульптуру, гравюру и прочее, оно ломает все застарелые барьеры, перерождаясь в многобразие медиа искусств: инсталляция, видео, перфоманс, концептуальное искусство, и новинка последних лет- медиаискусство.

Как точно подметил романист Марсель Пруст: «Истинный путь открытий лежит не в поиске новых земель, но в том, чтобы посмотреть на землю новыми глазами», - вооружившись этой идеей, художники сегодня используют бесконечное множество средств для самовыражения.
На западе инсталляционное искусство базировалось на идее об окружении и в начале своего становления экспозиция обыгрывалась вокруг конкретного места. Ранние образцы инсталляционного искусства были более экспериментальными, нежели те рафинированные постановки, что мы видим сегодня, - представляя собой объекты, развешанные в месте демонстрации, дополняемые музыкальными и световыми эффектами, реже- перфомансом, эти инсталляции имели целью, прежде всего, взаимодействие с аудиторией.
Тем не менее, подобные арт-эксперименты заняли в искусстве достаточно сильную и экстремальную позицию, что можно пронаблюдать на примере работ Демиена Хирста, чья первая анималистская инсталляция, «Тысяча лет», состояла из большого стеклянного контейнера, в котором находилась гниющая коровья голова с поедающими ее личинками и мухами, а появившаяся позже работа «Физическая невозможность смерти для разума живущего», которая стала самой знаковой его работой, представляла из себя тигровую акулу длиной в 14 футов (около 4 метров), погруженную в аквариум с формальдегидом.
Подобные экспозиции зачастую стирают границы между перфомансом и инсталляцией. Инсталляционное искусство приняло новую форму с появлением и началом широкого использования видео как части произведения, что со временем стало основной формой в современном искусстве.

В Индии инсталляция нашла свое выражение в работах таких художников, как Шила Гоуда, чье творчество нельзя однозначно отнести к живописи, скульптуре или инсталляции, оно представляет из себя симбиоз всех этих форм. Будучи художницей, она обратилась к инсталяции, пережив мощное потрясение в время беспорядков в Мумбаи в 1992 г. Именно тогда ее творчество подверглось колоссальной трансформации, от материала до тематики.
Обращаясь к материалам и способам обработки, присущим традиционным индийским атрибутам, таким, как коровий навоз и кумкум (красная краска, которую индианки традиционно наносят на лоб в знак того, что они замужем), она дает представление о символизме, присущем деревенским женщинам и сельской жизни.
Произведения художницы – это недолговечный симбиоз идей насилия, национализма, религии, женственности, который задает вопросы и задается вопросом о месте каждого из этих явлений в современной Индии. В своих работах она одинаково часто обращается к двух- и трехмерности, а ассоциативный ряд чаще всего отражает боль, потерю, излечение и размышления.

Еще одна художница, тесно работающая с этим жанром - Хема Упадья, посредством скульптурных инсталляций пытающаяся разобраться в вопросах, касающихся ее самой. Она касается тем довольно личного характера, так или иначе повлиявших на нее на протяжении жизни. Ее работы – это размышления на тему самоопределения.
Обладающие катартическим эффектом, вызывающие к жизни воспоминания, они – глубинный анализ волнующих автора вопросов места в жизни, смены, и, самое главное, потери приоритетов. Ее инсталляции – это аллегория ее же собственного тела, которое принимает на себя все разнообразие эмоций и травмы, уготованных всем нам: проблемы пространства, религии, пола и т.п. Ее чрезвычайно занимает идея пространства; его физическая природа, включающая мириады предметов раскиданных по периметру и наполняющих города, даря им жизнерадостность и кипучую энергию.

Работы Рины Каллат насквозь пронизывает боль и беспокойство, вызванные политическими и социальными проблемами в Индии и во всем мире. Посредством своих работ она недвусмысленно и четко заявляет о своих политических и религиозных взглядах в надежде изменить мир. Рина последовательно высказывает свою точку зрения, делая бессловесные, но в то же время громкие заявления при помощи своего быстротечного, но оставляющего неизгладимый след, искусства. Хотя она не всегда работала в этом жанре, ее ранние живописные работы отражали те же состояния, исследуя динамику общества и затем отражая ее мысли по этому поводу. В своих работах ей удается тонко, но выразительно донести до зрителя проблему состояния, травмы, которые испытывают обычные люди, вовлеченные в молох борьбы за власть.

Используя инсталляцию в своем творчестве, Таллур пытается донести до нас дух сельской жизни Индии и ее многочисленные проблемы. Используя характерные для деревни знаки и символы, он акцентирует внимание на повсеместной бедности и том влиянии, которое она оказывает на мышление людей в сельской местности. Через свои инсталляции он пытается напомнить об уязвимости и незащищенности страны и людей, обыгрывая символизм, понятный и легко узнаваемый, присущий как популярной, так и традиционной культуре Индии. Таллур, противопоставляя безыскусные традиции сельской Индии и городскую жизнь, слепо подчинившуюся влиянию запада, приходит к утешительному выводу, что сравнение явно не в пользу последней.

Еще один художник, активно использующий общественный и личный опыт в тематике своих работ – Г.Р. Иранна. Сохраняя верность своим корням, он в своих произведениях добивается эффекта мрачного, горестного чувства, исходящего от них; очень часто это выражается при помощи глубоких надрезов – ран на холсте, символизирующего человеческое тело. Его работы, демонстрируя преграду, излучают энергию, направленную против подавления, энергию, почти физически ощутимую. Тема угнетения в его работах часто связана с идеями и взглядами, которые подавляются религией и прочими доминирующими системами взглядов. Осязаемость в его работах находит отклик в зрителях, олицетворяя собой голос народа, и озвучивая их неисполненные, загнанные внутрь, желания.

Новые медиа искусства – это новое повальное увлечение в мире искусства, и очень многие художники решают попробовать себя в этом жанре, который начал свое триумфальное шествие с запада, с изобретением видео и компьтеров. Этот жанр очень часто использует общество и культуру и сопутствующие им темы, и стоит особняком среди остальных художественных средств – живописи, скульптуры, гравюр и т.п. Новые медиа – это сплав различных медиа жанров, объединенных привлекательной концепцией.

С ростом глобализации новые медиа завоевывают популярность в Индии, по мере того как интернет и цифровые технологии заполоняют страну – медиа искусства проникают в художественные школы и прочие заведения, даря художникам свободу и новые возможности в художественном выражении.

Многие художники успешно приняли на вооружение и используют новые медиа технологии в своей работе, зачастую выстраивая художественный замысел вокруг интерактивного взаимодействия со зрителем и сиюминутного существования – среди них и художница Шилпа Гупта. В ее работах оживают верования, занятия и опыт людей, и хотя ее работы ассоциируются с широким применением технологий, они далеко не преследуют цель продемонстрировать значение технологии, а скорее, средство освещения опыта. Еще одно послание, которое она пытается донести до нас посредством своих работ - насколько сильно технологии проникли во все сферы нашей жизни и сделали нас зависимыми.

Еще одна художница, успешно работающая в этом жанре - Шиба Чачхи – в свое время глубоко изучала вопросы философии, литературы, бегства и освобождения духа, и активно выступала в движении за права женщин в Индии, как активистка и художница. Она активно работала в жанрах фотографии и инсталляции, и ее серьезное увлечение фотографией вылилось в постоянное использование фотографических материалов в каждой экспозиции, создаваемой художницей.
Художественный эффект достигается одновременным использованием в экспозиции ряда медиа- средств (звук, свет, видео), обычно в качестве дополнения к скульптурному объекту. Один из ее недавних визуальных художественных приемов, имеющий необыкновенный успех – это использование картинок или фотографий, которые механически прокручиваются в световом коробе, создавая эффект киноленты.
Ее работы – это рассмотрение вопросов и проблем, связанных со странными превращениями, касающимися передачи образов, пола, насилия и визуальной культуры. Работы такого уровня, будучи в авангарде индийского современного искусства, демонстрируют всему миру что художники в Индии выходят на новый уровень, исследуя благодатную среду, в которой смешались традиция, культура, история, духовность и иностранное влияние, вместе с персональным опытом каждого, каковой и является сегодня индийское искусство, столь привлекательное для ценителей.

На сегодняшний день индийское искусство приняло совершенно уникальные формы, и причиной тому - особенности его развития, где богатейшее историческое и многокультурное наследие Индии образует с западными арт-тенденциями совершенно уникальный, обладающий индивидуальным характером, необычный культурный микс.

Это наглядно демонстрируют работы художницы Бхарти Кхер, многие из которых сконцентрированы на бинди (украшение-точка на лбу индианок, сейчас популярно в виде разнообразных наклеек). Используя бинди в скульптурных и живописных работах, она добивается совершенно неожиданных текстурных и метаморфических решений, а также создает в них иллюзию дополнительного объема. Кхер включает бинди как продукт массового производства в свое творчество для передачи собственных идей, которые красноречиво демонстрируют особую манеру художницы и символический подтекст, которые ей присущи. Бинди как художественный элемент ее работы ненавязчиво, но очень красноречиво подает идею о смене общественных приоритетов и ролей в жизни современной индийской женщины, и провоцирует на размышления о женском поле вообще.

Женщина и все, что с ней связано, вообще является предметом вдохновения многих художников, многие из которых, используя разнообразие ресурсов, обыгрывают темы феминизма в своих работах; среди них – Сония Кхурана, работающая, в основном, в жанре видео-арт. Главная идея ее работ – это исследование и оценка опыта, социального и личностного, людей и его влияния на умственном, физическои и духовном уровнях. В ее работах заложен, на первый взгляд, неглубокий, но в то же время совершенно правдивый анализ системы запретов, созданной нашим обществом, вместе с главной идеей – принимая запреты, как неизбежное, в то же время сосредоточиться на личной динамике. В творческом багаже Кхурана – работа с видео, перфомансом, текстом, рисунком и фотографией, инсталляция, плюс, ко всему прочему, ее работы обычно имеют интерактивный профиль, что подразумевает непосредственное участие зрителя в творческом процессе, вовлекая его в глубинный анализ череды бесхитростных событий и фактов, на которые обычно не обращаешь внимание.

Творчество для Митху Сен- это, прежде всего, рупор ее собственного отношения к жизни; совершая довольно смелые креативные шаги, ей удается придать работам несколько эксцентричный, но бесспорно интеллектуальный характер с сильным налетом сарказма.. Для нее очень типично использование элементов популярной культуры, по- разному обыгрывая их значение. Ее образы характеризует некая недосказанность, незавершенность, оставляющая обширное поле для перестановок и комбинаций, и, соответственно, для выводов, которые каждый делает для себя. Знаки и образы, которые художница создает в своих работах, складываются в калейдоскоп мыслей в сознании зрителя, картинку, которую можно изменить, лишь слегка повернув призму калейдоскопа. Нередко предметом творческих изысканий художницы становились проблемы женственности и женской сексуальности, переданные, впрочем, в довольно тактичной манере.

Глядя на работы Анджу Додия, оказываешься в созданном художницей мире, переживая вместе с ней эмоционально насыщенные, интимные моменты из ее жизни, которые она с огромным мастерством доносит до зрителя, черпая вдохновение в японских гравюрах, греческой мифологии и индийском народном творчестве. В начале своего творческого пути Анджу сосредоточилась на абстрактном искусстве, однако постепенно нашла себя в фигуративизме, продолжая исследовать свой диапазон художественных пристрастий, который так ярко демонстрируют ее сегодняшние работы. Размышления, описания ситуаций и дилемм, перед которыми ставила ее жизнь – вот главная составляющая ее творчества сегодня. Исполненные в ярких, жизнерадостных тонах, тем не менее, ее творения являют собой затейливое переплетение символов с личными подтекстами, и, охватывая волнующие ее женские и личные вопросы, раскрывают потаенные моменты ее жизни и диалоги, которые художница ведет с самой собой, в поисках откровения. Находясь в процессе самопознания, который то прерывается, то снова возобновляется, Анджу стремится достичь самореализации и свободы, которые возможны только в творчестве.

Искусство, как его видит Навджийот Алтаф- это способ проникнуться идеями и желаниями людей – реальных людей, и реальными событиями из их жизни, их горестями и печалями. Работая в жанрах гравюры и живописи, Алтаф ввела видео в качестве элемента своего творчества в начале 1990- х гг. Под воздействием мыслей о социальной структуре, в которой мы все живем, а также концепции о построении реальностей, она направила свой творческий путь в отдаленные индийские деревни, общаясь и взаимодействуя с местными ремесленниками и жителями.
Подобным «хождением в народ» художница надеется исследовать природу мест для общественных сборов в деревнях, а также привлечь внимание остальных к индийской деревне. Алтаф принимала участие в целом ряде подобных проектов – например, высадка зеленых насаждений на окраинах Дели, и т.д. Помимо деревенских проектов, внимание художницы привлекло также изучение общественных мест в городе – где не так уж и много места для горожан, а также реакции публики на ее искусство. Отличительная особенность работ Алтаф – это их интерактивность, направленная на взаимодействие со зрительской аудиторией, и то, как работы изменяются в результате такого взаимодействия. Помимо социальных мотивов, произведения художницы также исследуют вопросы женственности и феминизма в жизни деревни и городов Индии.

Многие художники, как на западе, так и в Индии, применяют в своей работе принцип образов в движении. Видео арт – это современное изобразительное средство, получившее необычайно широкое распространение, и используется как дополнение к другим формам искусства, или же самостоятельно, являясь основой для инсталляции. В современном восприятии, видео арт является формой искусства наравне с живописью, скульптурой и фотографией, и хотя видео неизменно ассоциируется с телевизионным форматом и кино, ему удалось занять отдельную нишу, став отдельной формой искусства. Видео арт зачастую предполагает использование только визуальных образов, без диалогов и актеров, хотя в иных случаях их присутствие не исключается.
Еще одна характерная особенность, часто используемая художниками – повторение изображения или движения, акцентируя таким образом внимание на основной идее презентации. Еще одно радикальное отличие видео-арта от фильмов – это развлекательный момент; кино зачастую призвано пробуждать в зрителе эмоции, тогда как видео искусство включает использование методов воздействия, которые могут меняться, в зависимости от эффекта, которого хочет добиться художник. В современном варианте видео арт стал неотъемлемой частью многочисленных художественных форматов,от визуальной музыки, интерактивных фильмов до компьютерной графики в режиме реального времени, где применяется широкий спектр технологий и новых медиа.
Все эти чудеса техники и технологий, собранные воедино в художественной обработке, дают необычайный по силе воздействия на зрителя, конечный результат.

Помимо столь популярного сегодня видео формата, особое и весьма важное место в искусстве отводится фотографии, поскольку в основу движущегося изображения заложены кадры.

Фотография спровоцировала появление целого ряда визуальных техник, и многие художники довольно плотно работают с фотографическим материалом, в их числе и Даянита Сингх, которой, наряду с немногими, можно приписать заслугу возведения фотографии в ранг отдельного, полноценного вида искусства. Ей удалось передать свою гамму эмоций представителей различных уровней индийского среднего класса, заключив их в серию портретов. Необычайная ценность созданных Сингх работ заключается в мимолетности запечатленных ею мгновений, недолговечных, и искренних, жизненных образов, в которых отражается сиюминутность, и нет места неживому позерству.
Ее творения – это серия снимков, роль которых – быть рассказчиками историй, а не хроникерами, механически передающими тот или иной момент временной ленты, и они полностью оправдывают свое предназначение. Люди на работе, за отдыхом дома, или беззаботно веселящиеся на вечеринке – множество снимков, изображающих жизнь Индии без прикрас. Помимо людей, в ее работах место есть и для мест – снятые снаружи, и изнутри, это те места в Индии, которые близки ее сердцу и пониманию.
Отличительное качество работ Сингх, присутствующее в каждом снимке – это ее способность ненавязчиво подать самые избитые или фантастические сюжеты, которая являет собой конечный результат глубоких и тщательных наблюдений.

Рам Рехман – в поле его художественного зрения чаще всего попадают городские улицы с их кипучей жизнью и поп- культурой, а также политическая жизнь, зачастую в попытке запечатлеть интересный феномен их параллельного (а иногда и совместного) существования. Через призму фотообъектива художник исследует диссонанс, царящий в жизни улиц города, и то влияние, которое имеют политические символы, прочно вошедшие в жизнь простого человека. Огромный пласт его творчества составляют две категории работ: портреты и городские пейзажи.
Снимки Рехмана, с их сильной композицией и богатыми тонами (в основном, черно-белые) – это свидетельство разнообразия жизни городской Индии. Образы, создаваемые Рамом, передают неоднородность полотна нации и ее политики, через череду надписей и рекламных щитов, запечатленных по всей стране, ее людей, архитектуры, и непрекращающегося труда, делая работу художника захватывающей, и добавляя ей веселые нотки.

Рави Кумар Каши – мастер построения фотографической смысловой цепочки. Он использует разнообразные объекты, рассматривая их под неожиданным ракурсом, добиваясь иллюзии смонтированных кадров из кинофильма, и продуцируя новый смысл, не присущий рассматриваемым объектам по одиночке. Используя привычные предметы в радикально новом контексте, Каши добивается принципиально нового их видения в необычном, даже странном свете. Эти объекты – способ Каши продемонстрировать сосуществование противоположных точек зрения и дилемму, которая возникает при создании новых значений и возможных конструкций.
Он требует реконфигурации презентации и его работы устанавливают новый порядок, где возникают новые значения. Его композиции, на первый взгляд хаотичные, на деле являют собой череду образов, которые дают творческий импульс сознанию.

Кроме привычной трактовки, существуют нетрадиционные способы применения фотографии как средства передачи информации, и многие фотографы успешно используют эту многогранность в своем творчестве. Яркий тому пример – работы художницы Н. Пушпамала, которая работает исключительно в жанре фото и видео перфоманса, а также является моделью для собственных творческих изысканий. В своей работе она находит новое определение и новый смысл привычного нам фотографичесчкого искусства. В работах художницы,
представляющих традиционный образ индийской женщины, проскальзывают мрачноватые нотки – это постановочные нарративные фото, с использованием декораций и костюмов.
Среди ее проектов – фото-персонификация многих традиционных полотен, кисти Раджа Рави Вармы, и других художников, бросающие вызов канонону аутентичности фотографий и исследующие вопросы индивидуальности. Работы Пушпамалы перекраивают и интерпретируют стереотипы на новый лад в ходе скрупулезного творческого процесса, где она – тема и объект исследования.

Т.В. Сантош, как и многие современные художники, использует фотографическую технику в своей работе: он отходит от позитива, переделывая снимок в негативный, что значительно разделяет описываемое явление и его рисованный образ, а намеренное исключение из композиции некоторых деталей придает всей работе нотки страха и ужаса.
Приблизительная, символическая передача изображения – это комплексный прием, к которому прибегают в журналах, интернете, газетах, на кинопленке, и который дает художнику свободу интерпретации – тот свободно обращается с контекстом созданного образа, пытаясь отыскать новые значения. На художника оказывают непосредственное влияние описываемые явления и их темная, страшная сторона, которую он раскрывает посредством соединения многослойных изображений.
Его искусству присуща определенная степень иронии, которая трансформируется в аналогии посредством его картин, подвергая сомнению политические взгляды, историю, популярную визуальную культуру и тому подобное. Типичные образы в искусстве Сантоша – это оружие, облако от взрыва ядерной бомбы, и т.д. Он искусно обыгрывает образы, демонстрируя при этом абсолютную стилистическую грамотность. Отличительные черты, которые выделют Сантоша среди современников – это фото-реализм, присущий его работам, вместе с монохромной передачей и наслоением значений и таинственных полутонов.

Столкнувшись с работами Баиджу Партхана, нельзя не заметить влияние многочисленных факторов - это и тантризм, и индийская мифология, визуальные образы мандала, тибетская танка и западное искусство. Позже художник проникся идеями технического прогресса, и взяв их на вооружение, сам задался вопросом о метафизической подоплеке того, что жизнь обывателя заполонили компьютеры и прочие достижения техники.
Его чрезвычайно заинтересовало влияние технологий на религиозные взгляды людей, а также долгосрочные перспективы использования генной инженерии. Воображение Партхана рождает химерические, фантастические идеи, делающие его изобразительный язык, замешанный на использовании символов и архаичных образов, ни на что не похожим.

Помимо обращения к фотографии, как «чистому» медиа-средству, технике наслоения фотоизображений в живописи, а также к переработанной фотографии, распространение получил метод художественного выражения, гармонично объединяющий в себе фотографию вместе с прочими медиа-средствами, такими как видео, и живописная картина, - и его активно использует целая группа художников, добиваясь этим смешением жанров поразительных творческих результатов. Скажем, результатом такого симбиоза являются работы Ранбира Калека – он создает совершенно завораживающий эффект, проецируя и накладывая изображение на рисованную поверхность. Зрителя окружает череда почти сказочных, плавно движущихся образов, которые манят к себе в «зазеркалье». Работы Ранбира – многомерные и многослойные в исполнении, создают атмосферу, в которой естественным образом сливаются фотографические изображения, видео и живописные образы.
Сюжеты ранних работ Ранбира – это чаще всего интерьеры, но постепенно он переходит к ландшафтной тематике. Исследование пространства в работах художника имеет психологическую составляющую, его интересуют события и явления, происходящие в психологическом пространстве людей и в их сознании.
Прозрачность и связанность с подсознанием работ Ранбира с их ритмичными повторениями, приглашает зрителя присоединиться, не для того, чтоб разгадать сложный замысел художника, а чтобы придумать и создать свою собственную концепцию.

Художники прошлых лет, да и современники, постоянно черпают вдохновение в окружающей их жизни, отображая простые насущные темы, которые ведут к удивительным откровениям. Взять, к примеру, художников, представителей живописи Калигхата 19 и начала 20 вв. –многие из них, будучи выходцами из деревни, стекались к храму Калигхат (посвященному богине Кали) возле Калькутты (сейчас Кольката) и попадали в круговерть городской жизни, которая подвергала их привычный образ мыслей и систему сомнениям и пересмотру. Они изображали городскую жизнь с толикой сарказма – такова, например, знаменитая картина «Священник и Элокеши», на которой Элокеши, жена Набина, соблазненная священником, изменяет мужу, и в приступе ярости Набин перерезает ей горло.

Опять же, в 1940-х гг художники, среди них Гобрадхан Аш, Читта Прасад, Зайнукл Абедин и другие взяли на вооружение тему безработицы и состояния угнетенности, в котором пребывали индийцы после свирепствовавшего в Бенгалии голода. Повсеместная безработица, недостаток еды привели к тому, что люди умирали прямо на улицах.. Но даже при таких мрачных обстоятельствах искусство осталось верным себе, вдохновляя людей на дальнейшую жизнь, выступая в качестве рупора всего, что происходило в стране, и став предвестником перемен. И сегодня художники используют свое искусство, чтобы озвучить свою социальную позицию, и зачастую привносят в него элемент сатиры, в попытке критики недостатков современного общества и образа жизни.

Разница между художниками прошлого и настоящего в том, что последние вовлекают в свое творчество широчайший диапазон тем, изыскивая соответствующие стилистические приемы, вызванные тревогой за сохранение всемирного равновесия и растущий культурный и экономический кризис в мире потребительства.

В распоряжении художников – масса концепций, которые они используют чтобы обрисовать сложную социо- политическую обстановку, которая их окружает или затрагивает их чувства. Тому пример- Нилима Шейкх, которая при помощи нехитрой системы символов умудряется озвучить глубокие выводы, замешанные на личных интересах и эмоциях. Нилима работает только с бумагой, за редким исключением, и сумела создать совершенно особый стиль, который объединяет в себе лиричность индийских миниатюр с безупречной композиционностью японской резьбы по дереву.
Основная тема ее работ – человеческие взаимоотношения и повседневная жизнь; Нилима рассматривает жизнь предмета ее творчества не как сторонний наблюдатель, а вжившись в образ изображаемого, которого описываемые события затрагивают лично.
С недавних пор Нилиму занимает двойственность, окружающая образ Кашмирской долины. С одной стороны, Кашмир называют раем на земле, который - с другой стороны – превращается в кромешный ад, когда каждый день уносит новые жизни ни в чем не повинных мирных граждан. Через призму своих работ она пытается проанализировать многокультурный эмоциональный сплав, который представляет собой современный Кашмир – необычайный, мифический, потрясающе красивый, просто волшебный край, который нашел свое многочисленное отражение в текстах и на холсте, вместе со ставшей неотделимой тенью насилия, горя и травм. Ее живописный язык –это исследование того, как сообщество страдает перед лицом жестокости и насилия.

Вир Мунши творит методично, и собрание его работ – это практически архив. Тема большинства его произведений - Кашмир, его ужасы, угнетенное положение людей и культура штата, когда-то богатая и яркая. Через свои фотографии и картины художник пытается донести до нас истории, которые никого не оставят равнодушным. Если взять созданные им образы в отрыве от тематики, то легко представить их описывающими процесс разрушения и запустения, вызванный каким-то стихийным бедствием, или войной.
Однако, войдя в мир образов Мунши, уже невозможно игнорировать базовый мотив – угнетение и несправедливость, которые царят в Кашмире уже более двух десятилетий, в течение которых над штатом висит проклятие терроризма. И хотя работы отражают индивидуальные случаи, это никоим образом не умаляет их эстетическую ценность, и пробуждает гамму чувств в том, кто смотрит на них – чувство, что за тобой следят, ощущение скрытой угрозы, которая таится где-то за поверхностью изображения и в сознании самого зрителя.

Работы Н.С Харша содержат в себе политическую подоплеку. Используя тонкие и остроумные нюансы, художник создает стиля жизни, который захватил людей. Харша удалось создать свой неповторимый стиль, в котором смешались тенденции классических миниатюр и поп-арта: граффити, плакатов, иллюстраций к детским книжкам и т. п. В результате этого влияния его фигуры вырисованы при помощи тонких штрихов и при этом лишены объема, его композиция зачастую содержит искаженную перспективу с акцентом на центральном действии картины; это явление, или событие возбуждает интерес, демонстрирует что-то странное или необычное.
Явления, которые становятся объектом внимания Харша, возбуждают такой интерес, что это напоминает эпидемию. Его работы –живые, с присущим им тонким подтекстом, представляют собой пародию на процесс глобализации и его влияние на Индию, индийцев и их стиль жизни. Это сатира в легком, непринужденном исполнении, которая, тем не менее, несет в себе глубокий смысл.

В работах Атула Бхалла отражается одна из самых наболевших проблем современного мира,в частности, Индии, и особенно –Дели. Вода. Художник изображает и подчеркивает важность человеческой жизни и одного из главных условий для ее поддержания – воды, от которой зависит существование жизни на всей планете.
Будучи жителем Дели, Бхалла выражает свою обеспокоенность тем, как горожане относятся к реке Ямуне – притоку Ганги, или, как обычно называют эту реку, Ганга. Река, которая воистину является источником жизни для миллионов людей, городских и деревенских общин, в то же время –одна из самых грязных в мире.
Посредством своего творчества Бхалла поднимает вопросы загрязнения и нехватки воды, демонстрируя необходимость воды, которая где только не применяется, играя чрезвычайно важную роль в жизни, и при этом страдая от рук человека.

Джаганнатх Панда представляет на суд зрителей эклектичное собрание работ, которое без усилий объединяет вымышленные элементы в гармоничное единое целое. Его работы, отличающиеся минимализмом, как будто грезы – мимолетные мгновения, схваченные во времени ловцом сновидений, отражающие единичную форму, за редким исключением - две.
В его работах, весьма реалистичных в исполнении, тонко обыгран аспект существования изображаемых существ. Цвет в них играет второстепенную, но весьма важную роль – поскольку поверхность картины представляет собой аппликацию хроники-зарисовки из жизни современной Индии и нового из множества материалов – фольги, кальки, нитей и т.д., благодаря чему акцент падает на изображение и объект. Тематика Джаганнатха – это размышления на тему урбанизации с личностным налетом, вызванные кочевой жизнью самого автора, который сменил немало городов, прежде чем осесть в Дели. Панда анализирует конфликт, неизменно возникающий в душе деревенского жителя при переезде в город, с его бешеным ритмом и европеизированным образом жизни.
Работы Джаганнатха Панда – это почти всегда сочетание множества образов, мастерски и гармонично объединенных на одном полотне, что придает им футуристический характер.

Природу современного искусства можно сравнить со строением ДНК – комплексные цепи, переплетенные в единое целое. ДНК в живых организмах состоит из генов, каждый из которых отвечает за определенный признак, будь то цвет глаз, волос и т.п. Человечество за миллионы лет эволюционировало от одноклеточных организмов до сложных многоклеточных, и каждое, самое маленькое изменение в генетическом коде в процессе эволюции отразилось на всей человеческой расе.

Если провести аналогию, то искусство эволюционировало, превратившись в собирательный образ современности, который мы видим сегодня, который медленно и неуклонно меняется, по мере того как изменяется генный рисунок искусства, и вырисовываются очертания нового «организма». Тем не менее, многие люди теряются, столкнувшись с этим новым явлением в художественном мире – новыми медиа, которые приходят на помощь художникам в отражении насущных вопросов.

У людей создается впечатление, что на них свысока смотрит новое лицо искусства, которое они не понимают, и, стало быть, оно им нравиться не может и веры тоже не внушает. Более того, возникает чувство, что важная часть жизни, ее технические и культурные достижения проходят мимо; тем не менее, существуют люди, которые не могут жить без искусства, и с готовностью воспринимают все новое и удивительное, что в нем есть.
Таким образом, если и можно что-то утверждать наверняка – это то, что искусство существует для того, чтобы помогать нам жить, и больше ни для чего.

Современное индийское искусство – это пещера Али- Бабы, полная необычного и неожиданного, где зритель, как ребенок, которому в руки дали матрешку. В большой прячется кукла поменьше, и еще, и еще, и ребенок обнаруживает, что новая кукла появится только если откроешь предыдущую. Аналогично, искусство похоже на матрешку – его нужно открывать и узнавать, чтобы понять, что же скрыто внутри. Искусство, с его многообразием визуальных средств, обладает способностью почти мгновенно захватить и очаровать.

Эту мозаику из прекрасного трудно оценить издалека, нужно быть как можно ближе к искусству, чтобы понять, узнать и прочувствовать простоту, которая есть глубина, постичь идею, видимую и невидимую одновременно, и насладиться экспериментальностью, без которой искусство - не искусство. И, раз решившись сделать это маленький шажок навстречу искусству, испытав его потрясающий эффект и силу, обнаруживаешь, что разум тоже тянется ему навстречу, и искусство вдруг становится не просто частью, а стилем жизни.

◆ Автор – директор Национальной галереи современного искусства, Дели, с 2001 г. Выдающийся художник, куратор и писатель, он также принимал участие в ряде выставок, как в Индии, так и за рубежом. Он преподавал на отделении художественного колледжа при Делийском университете, в Академии Джамия Милия Исламия, и в настоящее время является внештатным преподавателем в ряде престижных вузов.

От автора: Несомненно, нам бы хотелось включить еще многие и многие имена, но в силу ряда причин мы не имеем возможности расширить формат статьи.